Состав арты: Артра инструкция по применению: показания, противопоказания, побочное действие – описание Artra Таблетки, покрытые пленочной оболочкой (2859)

Артра инструкция по применению: показания, противопоказания, побочное действие – описание Artra Таблетки, покрытые пленочной оболочкой (2859)

Артра МСМ инструкция по применению: показания, противопоказания, побочное действие – описание Artra MSM Таблетки, покрытые пленочной оболочкой (54624)

Что такое композиция в искусстве?

Вы могли слышать термин «композиция», используемый для обозначения любого музыкального произведения, письма, картины или скульптуры, но в изобразительном искусстве он используется специально для обозначения расположения элементов в произведении искусства. Овладение композицией необходимо любому художнику, но о важности этого навыка часто забывают. Плохая композиция может повлиять на все произведение искусства, поэтому при нанесении кисти на холст необходимо либо тщательное планирование, либо отличное чувство интуиции.

«Линза памяти», 2016 г., автор: Фион Ганн

Как может измениться состав?

Композиция – это способ, которым различные элементы произведения искусства комбинируются или располагаются. Художник имеет полную свободу в выборе композиции своего произведения. Все элементы могут быть сгруппированы по направлению к центру холста или фотографии или разбросаны по углам произведения. В качестве альтернативы, может быть только один предмет, который доминирует над всем произведением искусства. У разных школ мысли были разные подходы к композиции в искусстве на протяжении веков. То, что распространено сегодня, было бы неслыханным в другое время.

Глюк, 2017 г., автор Брайан Кортелинг

Каковы правила хорошей композиции в искусстве?

Не существует единой формулы хорошей композиции, но есть несколько основных принципов, которые можно применить к большинству произведений искусства. Проще говоря, можно следовать правилам хорошего дизайна, чтобы получить приятную композицию.

Палитра, 2019, Патрик Хьюз

Однако эти правила не всегда так просто определить в четких терминах — скорее, они сводятся к уникальному стилю и интуиции художника. Например, многие говорят, что хорошая композиция должна быть сбалансированной, с одинаковым вниманием к каждому элементу произведения искусства. С другой стороны, некоторые художники могут выделить отдельные части работы, которые они считают наиболее важными. В то время как некоторые художники пытаются создать простую минималистическую композицию, другие стремятся к более эклектичному стилю.

все, что у вас есть, 2020, Джейн Прайор

Как состав изменился за эти годы?

В то время как композиция раньше была намного более регламентированной, появление таких движений, как Кубизм и Абстрактное искусство , изменило многие из этих правил и уступило место новым техникам.

The Parisien, 2018, Джаспер Баррингтон Галлоуэй

Традиционно художники-классики стремились к треугольной или пирамидальной композиции, чтобы создать ощущение геометрии внутри произведения. Древние греки считали, что искусство должно быть как можно более совершенным, и поэтому они делили холст на восемь равных сегментов, чтобы создать сбалансированную треугольную композицию. Вы увидите, как этот подход перекликается с искусством эпохи Возрождения, которое стремилось подражать внешнему виду классического искусства.

Мадонна на лугу, 1506 г., Рафаэль (из общественного достояния)

Другой метод известен как «золотое сечение», еще одна математическая концепция, которая создает своего рода спиралевидную форму, напоминающую раковину улитки или водоворот. Леонардо да Винчи классно использовал эту композицию для Моны Лизы, что может быть одной из причин, почему она выдержала испытание временем.

Мона Лиза, 1503 г., Леонардо да Винчи (из общественного достояния)

Художники-абстракционисты и художники-абстрактные экспрессионисты, такие как Джексон Поллок, выбросили эти концепции из окна, выбрав вместо них «сплошную композицию» . Этот подход предполагает работу с поверхностью произведения более или менее однородно, а не с рассмотрением верхней, нижней и центральной части произведения искусства.

Convergence, 1952, Джексон Поллок (любезно предоставлено «Jackson-pollock.org»)

Композиция в искусстве

Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект художественного творчества. Это также один из самых важных аспектов, который нужно сделать правильно. Если ваша композиция слаба, то и ваша работа слаба. Даже если у вас есть полный диапазон значений, ваши пропорции верны, и вы использовали среду как мастер — если ваша композиция плохо спланирована и выполнена, то ваше искусство можно считать неудачным.

К счастью, композиция — это одна из тех вещей, которые мы можем сделать правильно, если приложить немного усилий и знаний. Это не требует «таланта» и определенно не связано с «догадками». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании нашей работы, чтобы каждый раз добиваться успеха.

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что для создания успешного художественного произведения требуется нечто большее, чем создание меток и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанную с ней тему.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «композициями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, то песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно проработана, чтобы песня была как можно лучше. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне. В других случаях это может быть пианино.

Эту музыкальную аналогию можно сравнить с искусством. Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере того, как создаем искусство.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в отношении того, как мы располагаем элементы в наших работах. Но хотя возможности безграничны, это не значит, что мы можем подходить к композиции бессистемно, без планирования. Мы должны создавать наши композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент. В других может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы у нас не было слишком много элементов, конкурирующих за внимание. В песне мы не ожидаем, что гитарное соло, соло на фортепиано и соло на барабанах будут звучать одновременно. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание нашего зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся фокусом(ами). Затем все остальные элементы произведения становятся второстепенными актерами.

Создание фокусных точек

Фокусная точка — это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя. В большинстве случаев фокусы включают в себя основной объект. Каждое произведение искусства должно иметь по крайней мере один фокус.

Фокусы должны быть ограничены. Во многих случаях требуется только одна фокусная точка. У вас может быть более одной фокусной точки, но любое число, превышающее три, будет трудно осуществить. Если в вашей работе более одного фокуса, то должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или второстепенный координационный центр.

Фокусы могут быть созданы в произведении с использованием различных техник. Эти методы включают…

• Контраст
• Изоляция
• Размещение
• Конвергенция
• Необычное

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, в этих уроках мы рассмотрим их более подробно…

• Как создавать фокусные точки
• Акцент – принцип искусства

Теперь давайте кратко рассмотрим каждую технику создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием. Это может быть разница в значении, цвете, текстуре, размере и т. д. Когда мы включаем область сильного контраста, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если в детстве вы попали в беду и учитель загнал вас в угол, то вы знаете, что такое изоляция. Когда тебя отправляют в угол, все остальные дети в классе смотрят на тебя. Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент естественным образом привлекает внимание и становится фокусом.

Размещение

Мы визуально притягиваемся к центру фигур. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о такой форме, как прямоугольник, то мы можем ожидать, что наш зритель будет притянут к центру. Если мы поместим предмет близко или точно в центр нашей картинной плоскости, то этот предмет станет фокусом.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильного фокуса, обычно это не лучшая техника для создания визуально стимулирующей композиции. Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичен и скучен. Объект лучше расположить немного не по центру, а еще лучше — на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Конвергенция

Конвергенция относится к акту направления взгляда зрителя в произведении с использованием визуальных подсказок. Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя в фокус. Иногда нас привлекает область внутри работы просто потому, что художник манипулировал элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области. Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что неожиданно или резко отличается от других элементов в сцене, станет фокусом.

Создание определенного фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Мы также должны рассмотреть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в произведении. Элементы искусства являются основными компонентами или строительными блоками художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

• Элементы искусства
• Принципы дизайна

Восемь принципов дизайна…

• Баланс
• Доля
• Механизм
• Ритм
• Гармония
• Единство
• Акцент
• Разнообразие

(Некоторые искусствоведы также включают контраст в качестве принципа. Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не включают его в список из восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них делают. Вот более пристальный взгляд на те, которые делают…

Баланс

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, несет в себе визуальный вес. Когда мы добавляем элемент на одну сторону нашей композиции, нам может понадобиться добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуальный баланс может быть достигнут путем добавления элементов или использования пустого пространства. (Подробнее об отрицательном и положительном пространстве чуть позже.)

Баланс можно сравнить с качанием на качелях. Представьте, что у нас есть один большой предмет (или человек) на одной стороне качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару объектов среднего размера (или людей) на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели сбалансированы.

Если работа визуально не сбалансирована, она может казаться «тяжелой». Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес притянет взгляд зрителя к низу. Композиция будет вызывать беспокойство.

Но если противопоставить этому весу элемент или два в верхней части композиции, то она станет более сбалансированной.

Мы также должны знать, как кадрируется наша композиция, так как это также может повлиять на баланс.

Много раз у нас будут элементы, выходящие за пределы плоскости изображения. Если края этих элементов расположены так, что они находятся близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю плоскости изображения. Край ветки вверху также слишком близко к левой стороне плоскости изображения.

На втором изображении достаточно места по обеим сторонам плоскости изображения, чтобы обеспечить баланс, что приводит к лучшей композиции.

Если мы располагаем объекты в наших работах так, что их края либо заканчиваются немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходят далеко за пределы плоскости изображения, то этот визуальный вес сводится к минимуму.

Мы также должны рассмотреть каждую из граней картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выходить за пределы плоскости изображения со всех четырех сторон, мы можем создать более сбалансированную композицию.

Движение

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению, которое совершает глаз зрителя, воспринимая ваше искусство. С точки зрения композиции нас больше всего интересует последний.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд переходит от одного элемента к другому. Обычно самый главный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направить зрителя к наиболее важным элементам и во много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя проходил через работу в определенном порядке.

В зависимости от сюжета заказ может выглядеть примерно так…

1. Зритель втягивается в работу.
2. Зритель направляется к фокусным точкам.
3. Зритель направляется к опорным элементам.
4. Зрителя уводят от работы или возвращают к фокусу.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы исследуете его, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летящие тени» 1909-1910

Возможно, ваш взгляд следовал тем же маршрутом, что и мой. Я приступил к работе на дне долины, возле ручья. Меня направила линия более темных деревьев к центру живописного пространства, а затем обратно в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня направили обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части работы, оценивая каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать то, как зритель взаимодействует с нашим искусством. Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут смотреть на наше искусство, мы можем иметь некоторое влияние на их визуальное восприятие.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Мы должны иметь повторение, чтобы иметь ритм. Визуально ритм создается повторяющимися элементами. Это может быть регулярный или нерегулярный узор из повторяющихся фигур, или это может быть повторение определенного предмета. В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину внизу. Обратите внимание, какое у него чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы, созданные для ирисов, ничем не отличаются. Они также повторяются…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют мотивом. Включение мотива в вашу работу часто может привести к ощущению гармонии и единства.

Вернемся к аналогии с музыкой. Большинство популярных песен имеют постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но тактовый размер меняется редко. И хотя ноты могут резко меняться, единый ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны иметь такую ​​последовательность, которая приводит нас к следующим принципам – гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции также должны быть гармоничны и едины. Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но каждый следует рассматривать отдельно в наших композициях.

Единство связано с чувством «единства». Это обычно достигается в произведении искусства за счет последовательного использования среды и до уровня завершенности. Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в работе, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа унифицирована.

Единство можно создать и в работе за счет упрощения. Этого можно достичь за счет упрощения форм, предметов или цветовых схем.

Приведенная ниже работа едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ унификации — использование цвета.

Роберт Харрис «Североафриканский интерьер» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета красный и зеленый. Зеленый очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в произведении. В то время как единство имеет дело с произведением искусства в целом, гармония касается в большей степени отдельных частей произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Другой способ подумать об этом — рассмотреть семью. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле этой аналогии. В семье может быть отец, мать, сын и дочь. Каждый член семьи уникален и уникален, но семья по-прежнему едина. Одни семьи хорошо ладят друг с другом, другие нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях с помощью…

• Последовательно используя медиум на протяжении всей работы.
• Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
• Использование единого стиля на протяжении всей работы.
• Убедитесь, что работа завершена.
• Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Акцент

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсуждали несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Успех каждого из этих методов зависит от акцента. Акцент обычно создается в произведении с помощью той или иной формы контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркнуто?

Эдгар Дега «Любительница абсента» 1876

Большинство из нас притягивается к женщине в этой сцене, точнее – к ее лицу. Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре плоскости изображения. Вокруг нее также существует сильный ценностный контраст. Обратите внимание, что мужчина рядом с ней одет в черное, а она в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем идут линии схождения, созданные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены. Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают влиять на то, как мы взаимодействуем с объектом.

Разнообразие

Как и акцент, разнообразие также связано с различием. Наши рисунки и картины должны включать в себя некоторое разнообразие.

Задумайтесь на минутку о своей любимой еде. А теперь представьте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть свою любимую еду при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — ваша любимая еда и ничего больше. Это может быть здорово в первый день, но потом вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять нашего зрителя одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны добавить немного разнообразия, чтобы заинтересовать их и сделать наши работы более интересными.

Весь фокус в том, чтобы сбалансировать гармонию и разнообразие. Если мы зайдем слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем в гармонию слишком далеко, в работе может не хватить разнообразия.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание, какое разнообразие присутствует…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкий диапазон цветов, но сохранил картину единой за счет упрощения.

Позитивное и негативное пространство

Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины в рисунке или картине. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве с точки зрения фактического изобразительного пространства на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занимаемое важными предметами или элементами дизайна, считается позитивным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство дает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении негативное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Позитивное и негативное пространство работают вместе, чтобы создать композицию. Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равного баланса между ними или преимущественно из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей позитивного и негативного пространства…

А вот композиция из негативного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одном и том же объекте, и каждая из них может считаться «успешной».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. То, как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования среды, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ создать баланс в работе и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, — это тщательное планирование.

Планирование сочинения

Планирование, пожалуй, самый важный аспект достижения успеха в сочинении. К сожалению, это шаг, который большинство людей полностью пропускают.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие в место, где никогда раньше не были. Не имеет смысла просто собирать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в свою навигационную систему. Вы никогда не доберетесь до пункта назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Точно так же мы должны планировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить. Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать окончательный результат, прежде чем приступим к его созданию. Мы можем менять наши идеи во время работы, если захотим, но у нас должно быть общее представление о том, какой должна быть готовая работа, прежде чем мы погрузимся в нее.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, необходимые для создания сильного произведения искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на фактическом процессе рисования и живописи, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции связано с созданием небольших рисунков, в которых отсутствуют детали. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры должны создаваться быстро, и к ним следует подходить с позиции эксперимента. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как начать работу над окончательной поверхностью, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая эскизы, будьте готовы попробовать разные вещи. Поэкспериментируйте с расположением предметов и с балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой ум открытым.

Много раз у нас в голове было видение того, что мы хотим создать, и, естественно, предполагалось, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение — это лишь «верхушка айсберга». Если немного больше «копать», наше первоначальное видение превращается во что-то гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и тратим время на планирование.

Правило третей

Правило третей — это композиционная теория, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на «Золотом сечении», математической формуле, которая имеет дело с пропорциональными отношениями. Поскольку Золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания подобного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — как по горизонтали, так и по вертикали. Мы можем представить линии, которые проходят вдоль каждой из третей. Эти линии пересекаются в четырех местах на картинной плоскости. Размещая важные предметы или фокусы на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арман Гийомен «Долина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен расположил фигуру почти точно в одной из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы прямо на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — например, научной иллюстрации. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создавать, используя диагонали в работе. Эти диагонали могут быть созданы с помощью реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы направлять взгляд зрителя по работе, как мы обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включения диагоналей в свою работу. Это может означать, что вы меняете угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать предметы со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклонным углом.

Нечетные числа лучше

Когда мы сочиняем наши работы, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное количество для использования — 3. Это означает, что если вы сочиняете натюрморт, лучше всего использовать 3 предмета.